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PIER PAOLO CALZOLARI
QUAND LE RÊVEUR MEURT QUE RESTE-T-IL DU RÊVE
Fondation Maeght
Saint-Paul de Vence
06 déc. 2008 - 22 mars 2009

Pier Paolo Calzolari est le prochain artiste invité de la Fondation Maeght dans le cadre des Nouvelles Saisons de l’Art Vivant. Il présente une quinzaine de pièces: oeuvres récentes dans l’espace unique de la plus grande salle d’exposition de la fondation et d’autres plus «historiques» dans le parcours renouvelé de la collection permanente.
Cette nouvelle exposition présentée à partir de cet automne à la Fondation Maeght est consacrée à l’une des figures de proue de l’Arte Povera, Pier Paolo Calzolari. Sculpteur et performer italien né en 1943, Pier Paolo Calzolari a constitué une oeuvre très originale qui révèle la poétique de l’objet. Essentiellement sculptural, son travail fait apparaître des mises en scènes où la mythologie, l’histoire de l’art et le quotidien se rencontrent pour faire sens.
L’Arte Povera est apparu en 1967, désigné par le critique d’art Germano Celant. Attitude, plutôt que mouvement, l’Arte Povera prône depuis cette date un travail qui installe un dialogue critique avec l’industrie culturelle et la société de consommation. Ce courant artistique peut être considéré comme la réponse la plus pertinente et la plus critique au Pop Art américain. Utilisant des matériaux bruts peu connotés artistiquement ainsi qu'un minimum de signes, ces artistes de «l’art pauvre» travaillent l'éphémère, tout en sollicitant la participation des spectateurs. Le refus de l'identification et la prise de position critique se manifestent par une activité artistique qui privilégie le processus de création et le geste à l'objet lui-même. L'Arte Povera est un art qui se veut insaisissable, mobile, nomade.
Dans cette exposition, Pier Paolo Calzolari propose une quinzaine de pièces sculpturales très originales. Il présente dans la «salle de la mairie» de la fondation des oeuvres très récentes (2006-2008), ainsi que des travaux plus «historiques» dans le parcours de la collection permanente. Les objets et matériaux simples (sel, bois, cuir, plomb, cuivre, coton, feuilles…) qu’il utilise laissent voir leur transformation et paraissent connaître une deuxième vie. Avec ce qu’il choisit, Pier Paolo Calzolari concrétise son idée du présent dont le fil rouge est une réflexion sur le mystère du temps. En faisant intervenir du mouvement, de la lumière, ou du givre, il donne ainsi à ses oeuvres une poésie bien particulière. Le visiteur participe de façon active à la lecture car la sollicitation des sens va au-delà de la vue: selon Calzolari « lieu, personne, temps, chacun influe sur l’autre».
Un art hautement poétique, voire métaphysique, que le public peut découvrir à la Fondation Maeght jusqu’au 22 mars 2009.

ENSEMBLE GALINVERNA
MUSICA AI TEMPI DI LUTERO
Chiesa Luterana
Corso Garibaldi 7 - Sanremo
martedì 30 dicembre 2008, h. 21,00

L'associazione culturale Corelli - Ensemble Galinverna darà vita ad uno spettacolo di musica antica, battezzato “Musica ai tempi di Lutero”. Il gruppo attingerà al vasto repertorio strumentale dell’epoca della Riforma. Verranno presentate anche musiche composte dallo stesso Lutero. Si tratta di inni, in uso anche oggi in numerose chiese cristiane, che sono espressione - tramite l’uso della lingua volgare e della forma corale - della centralità che la comunità dei credenti assume nella liturgia. L’insieme vocale-strumentale Galinverna si propone con una formazione che accoglie musicisti provenienti da diverse esperienze legate alla musica antica e tradizionale, con all’attivo centinaia di spettacoli in tutta Europa e numerose registrazioni per importanti etichette discografiche.

SPACE TO SALE ARTIST' SHOW II
Espace à vendre
17, rue Smolett - Nice
05 déc. 2008 - 07 févr. 2009

Thierry Lagalla, Florent Mattei, Emmanuel Régent, Han Hoogerbrugge, Karine Rougier, Arnaud Labelle-Rojoux, Caroline Bach, Sabry Tchalgadjieff, Damien Berthier

Un an après la première version de «Space to Sale Artist’ Show», l’Espace A Vendre renoue avec une exposition collective présentant les nouveaux travaux d’artistes de la galerie.
Par cet accrochage Bertrand Baraudou remet l’accent sur les artistes qui ont fait l’histoire de l’Espace A Vendre. Ainsi après les travaux d’agrandissement réalisés à Nice en août 2008, et l’ouverture d’un nouvel espace à Paris, Le Cabinet, rue Saint Sabin 75011, cette exposition sera le lieu de la redécouverte des fondamentaux et de son regard sur la création.
Florent Mattei nous montrera sa dernière photographie en faisant un contrepoint à son travail habituel, Thierry Lagalla propose une peinture grand format d’un portrait d’Ambroise Volare. Emmanuel Régent continue sa recherche sur la disparition en nous montrant d’immenses paysages pas vraiment «là», comme un photographe au laboratoire arrêterait le developpement de son image juste avant qu’elle soit totalement visible... Ou Caroline Bach qui nous emmène se «balader» dans les «villes d’entreprise» où l’esprit de la perfection rime avec le frisson. Autant d’exemples d’une création en mouvement que l’Espace A Vendre tenait à montrer dans son large panel d’artistes.

COLLECTION TRÉS PRIVÉE
Galerie Sandrine Mons
chez Loft: 25, rue de la Buffa, Nice
05 déc. 2008 - 10 janv. 2009

Artistes: Carlos Aires, Hans Arp, Atelier Blink, Charley Case, Daphne Corregan, Jimi Dams, Fabien de Cugnac, kristof Everart, Robert Gligorov, Piotr Klemensiewicz, David Kramer, David Lachapelle, Gerard Malanga, Frédéric Nakache, Pierre Radisic, Terry Rodgers, Félicien Rops, Pépé Smit, Annie Sprinkle, Gilles Suffren, Cédric Tanguy, Elizabeth Young

Cette exposition répond à la présentation de la nouvelle ligne de mobiliers «Privé» de Philippe Starck pour Cassina.
Le designer français a conçu des salons dont l’imaginaire exprime l’érotisme et l’usage très privé d’un mobilier courant.

La galerie d’art moderne et contemporain Sandrine Mons présentera pour l’occasion une sélection d’œuvres d’artistes en conversation avec ce thème évocateur ; à vous de découvrir notre collection très privée de peintures, sculptures, photographies, dessins et céramiques.

La galerie Sandrine Mons étant fermée, l'exposition se déroulera chez Loft: 25, rue de la Buffa, 16000 Nice

METE D'AUTORE A VENTIMIGLIA
Una città sullo scoglio del Mediterraneo
De Ferrari, 2008
Collana "Imago"

L’Amministrazione Comunale di Ventimiglia promuove la città e il suo territorio con questo importante volume fotografico, che nasce da un’idea della Prof.ssa Maria Teresa Verda Scajola e si sviluppa grazie al coordinamento scientifico della Dott.ssa Daniela Gandolfi, dell’Istituto Internazionale di Studi Liguri di Bordighera. La città frontaliera ligure è da sempre crocevia di tanti percorsi storici, culturali e sociali, che hanno legato il suo territorio a quello della Costa Azzurra. Le tipicità evidenziate nel libro mostrano una sintesi e un’unione tra costa ed entroterra, tra centro urbano e periferia, una zona in continua evoluzione che da sempre pratica il bilinguismo, italiano-francese, con lo sguardo rivolto più alla Francia che all’Italia. Partendo dall’analisi dell’impianto della città romana, Albintimilium, si arriva a delineare gli scenari che si stanno aprendo per il rilancio e la riqualificazione del futuro prossimo.

LOUISE BOURGEOIS
INCISIONI
Castello della Lucertola - Apricale
14 dicembre 2008 - 16 febbraio 2009

Inaugurata il 14 dicembre 2008 alle ore 15 la mostra dedicata alle incisioni di Louise Bourgeois presso il Castello della Lucertola di Apricale. L'esposizione sarà visitabile sino al 16 febbraio 2009, con i seguenti orari: tutti i giorni dalle 15.00 alle 18.30 ( lunedì escluso), la domenica anche dalle 10.30 alle 12.00.

Dai primi disegni, dipinti e incisioni, l'opera di Luoise Bourgeois ruota attorno alla procreazione, alla nascita e alla maternità, associando i corpi all'architettura, l'organico al geometrico: busti in mattoni, gabbie toraciche in forma di case e di porte. Ma il filo rosso della sua opera è costituito dal phallus (il padre), ribattezzato "ragazzina", e dal ragno. Secondo la Bourgeois il ragno rappresenta la madre, "poiché la mia migliore amica era mia madre ed era anche così intelligente, paziente, pulita e utile, ragionevole, indispensabile quanto un ragno". Il ragno costituisce il simbolo delle tappezzerie (ragnatele) che sua madre rappezzava e di tutto quello che vi si rapporta: aghi, fili.
Negli anni Cinquanta, le sue sculture hanno l'aspetto di totem sinuosi e lisci, di ascendenza surrealista. In quell'epoca Louise Bourgeois avverte la nostalgia del proprio paese d'origine: afferma di "essere in lutto per la Francia" e di sentirsi in un "caos totale". La sua famiglia ed i suoi amici le mancano e si mette a creare dei personaggi in legno a forma di totem, figura in cui si coniugano una forma ancestrale americana e il tentativo sciamanico di evocare la presenza di coloro che si trovano lontani.
Lavora a lungo in disparte, fino a che, negli anni Settanta, si manifesta un vivo interesse per il suo lavoro. La sua opera si sviluppa allora con modalità del tutto nuove. Non soltanto i temi fino ad allora latenti - la femminilità, la sessualità, la famiglia, l'adolescenza, la solitudine - si fanno onnipresenti, ma vengono affrontati attraverso sculture-installazioni realizzate con materiali e oggetti diversi, talvolta personali. Nel 1982/83 il MOMA le consacra un prima esposizione.
L'artista prosegue quindi l'attività impregnando i suoi lavori di questa vena psichica, generata dai traumi personali. Le sculture monumentali di ragni, nella loro incombente dimensione onirica, ne sono uno degli esempi più noti.
Il Centre Pompidou ha organizzato dal 5 marzo al 2 giugno 2008, in collaborazione con la Tate Modern di Londra, un'esposizione retrospettiva di Louise Bourgeois che presentava più di 200 opere (dipinti,sculture,installazioni,disegni, incisioni e oggetti realizzati fra il 1940 e il 2007). Tale esposizione consisteva principalmente su opere degli ultimi dieci anni di creatività di questa artista di 97 anni che non smette di rinnovare il suo linguaggio artistico.
Nel 1999 Louise Bourgeois ha ricevuto il Leone d'oro alla carriere alla Biennale di Venezia per l'insieme della sua opera.

FRANCA ANFOSSI INZAGHI, DANIELA ZAGO NOVARO
ANGIOLO SILVIO NOVARO. VITA DI UN POETA
De Ferrari 2008
Collana "Imago"

A 70 anni dalla morte del poeta imperiese, la pronipote scrive un volume sulla figura di Angiolo Silvio Novaro, per raccontare l’uomo e la sua famiglia. Un modo affettuoso e semplice per ricordare un letterato che ha dato lustro alla nostra regione, ma che è stato trascurato dal mondo culturale italiano degli ultimi anni. Il volume presenta delle immagini inedite tratte dell’immenso archivio fotografico di casa Novaro.

Franca Anfossi Inzaghi, nata a Ventimiglia, è una ex insegnante di scuola superiore. Daniela Zago Novaro, nata ad Alessandria, vive ad Imperia dove gestisce l’Hotel di famiglia.

FILIPPO BIAGIOLI
NUOVE INCISIONI RUPESTRI
Fortezza Monumentale del Priamar
Corso Mazzini - Savona
dal 20 dicembre 2008 al 7 gennaio 2009

Come gli uomini di cinquantamila anni fa' Filippo Biagioli esce dalla sua caverna con speranza e timore, obbligato dalla curiosità e dalla responsabilità di vivere, e si misura con il mondo.
Fa esperienza, e lascia una traccia. La sua strada non è disseminata di pietre, non sono queste a definire i contorni nel suo mondo, a dargli significato, a evocare implicazioni con il suo universo valoriale e affettivo: sono le fotografie, i materiali di recupero ( legno, tessuti): su questi incide, lascia un segno.
Ha visto Basquiat e Keith Haring, ma deve e vuole andare oltre le pareti dipinte della sua "caverna" o del suo villaggio, perchè i luoghi che conosce sono diventati piccoli, insicuri e pressati da mondi e persone che bisogna conoscere per non esserne sopraffatti.

OLTRE LA FOLLIA
Il volto umano della legge Basaglia
a cura di Nicola Davide Angerame
Via Adelasia 10 - Alassio
Via Adelasia 10 (17021)

Mostra collettiva di fotografia con opere di
Vasco ASCOLINI, Gianni BERENGO GARDIN, Gian BUTTURINI, Luciano DʼALESSANDRO, Bruno CATTANI, Michele DʼOTTAVIO, Claudio ERNÈ, Christian MARTINELLI, Giacomo SAVIOZZI, Filippo URBINI
con una mostra personale di Renzo MIGLIO sulla storia dellʼOspedale Psichiatrico di Collegno

Sabato 20 dicembre 2008, alle ore 21, si è inaugurata presso l'Ex Chiesa Anglicana di Alassio (ECAA) la mostra collettiva intitolata "Oltre la follia. Il volto umano della legge Basaglia", dedicata al trentennale della legge 180 che nel maggio 1978 decretò la chiusura dei manicomi e la liberazione della maggior parte dei pazienti, permettendo loro di accedere ad una nuova vita. La legge, che prende il nome dal suo ispiratore Franco Basaglia, rappresenta una vera conquista civile ed il riconoscimento dei diritti umani a persone che per secoli hanno vissuto segregati.
Un pensatore di rango come Norberto Bobbio la definì, allora, come "l'unica vera legge di riforma del nostro paese".
L'esposizione, organizzata dall'Ex Chiesa Anglicana di Alassio per conto dell'Assessorato alla Cultura e al Turismo della città ligure, è curata da Nicola Davide Angerame e presenta oltre 100 immagini scattate nei decenni passati, e fino agli anni più recenti, da parte di maestri riconosciuti della fotografia italiana e giovani promesse. La mostra ospita alcuni scatti storici di Gianni Berengo Gardin, tra i primi fotografi a varcare la soglia dei manicomi italiani per mostrare e far comprendere il dramma di un "popolo" sommerso, privato di ogni diritto, senza voce né volto. A questi primi pionieri, si sono succeduti generazioni più giovani di fotografi che ne hanno seguito le orme, scattando importanti foto che documentano i manicomi per quello che sono stati: luoghi del dolore. In questi luoghi molti pazienti hanno passato l'intera vita, spesso abbandonati dalla società e dai familiari.

"La caduta di questi muri – spiega Monica Zioni, Assessore alla Cultura e al turismo di Alassio - ha rappresentato, e rappresenta tutt'oggi, una speranza aperta sul futuro. Dopo trent'anni di attività, questa legge si dimostra come una vera legge dal volto umano, capace di riconoscere al paziente una serie di diritti che gli erano preclusi nei manicomi e che oggi condivide con il resto della società. Avendo personalmente avuto una lunga esperienza come assessore ai servizi sociali di Alassio, ho potuto riscontrare la rivoluzione di pensiero, e quindi anche pratica, che la legge Basaglia, e la scuola dell'antipsichiatria che l'ha alimentata, hanno operato sui metodi e sulle teorie della gestione del disagio psichico. Per tale motivo sono personalmente lieta di promuovere una mostra che potrà suscitare l'interesse generale, ma anche offrire un momento formativo per le scuole ed una occasione di riflessione per gli operatori del settore".

Questa mostra – spiega Nicola Davide Angerame, curatore dell'evento – è un omaggio a quella che si può considerare una vera rivoluzione copernicana in campo psichiatrico, che ha posto la centro del proprio sistema il malato invece che la malattia.
Fedor Dostoevskij ha scritto che "la civiltà di un popolo si misura da come tratta i suoi prigionieri" e i folli hanno rappresentato per secoli il rimosso della nostra società, una vera forma di prigionia tra le più brutali e silenziose. Ma questa mostra va oltre il documento e offre immagini di fotografi che hanno portato la fotografia ad uno dei suoi punti più alti, dove diventa rivelazione ed emozione, anticipando la caduta dei muri fisici dei manicomi. Gli sguardi dei degenti o i luoghi della segregazione sono colti con una sensibilità partecipe che offre il senso autentico di un dolore che per molti è durato una vita intera".

ROSSINI E MOZART NELL'OPERA DI LUZZATI
Teatro Sacco
Via Quarda superiore - Savona
20 dicembre 2008 - 28 febbraio 2009

“Rossini e Mozart nell’opera di Luzzati” è il titolo della mostra inaugurata il 20 dicembre nel Teatro Sacco di via Quarda superiore, nel centro storico di Savona.
La mostra, ad ingresso libero e promossa dal Teatro dell’Opera Giocosa Savona, è a cura di Nugae e del Museo Luzzati di Genova, ed è realizzata con il contributo della Fondazione A. De Mari Cassa di Risparmio di Savona.
L’esposizione, che andrà avanti fino a fine febbraio (orari: giovedì, venerdì, sabato, domenica, ore 10.00-13.00 e 15.30-18.30) riunisce opere scenografiche, bozzetti e disegni dedicati da Luzzati alle opere di Mozart e di Rossini, ma ospiterà anche proiezioni e laboratori interni al teatro, mirati in particolare al mondo della scuola. L’iniziativa segue ed è conseguenza del successo ottenuto questo autunno dal progetto di laboratori, attuati direttamente nelle scuole dell’infanzia ed elementari, tenuti da esperti del Museo Luzzati e dell’Opera Giocosa sulle realizzazioni sceniche del grande Emanuele Luzzati.
Per l’occasione si avrà la riapertura eccezionale e momentanea del Teatro Sacco, il primo teatro costruito a Savona, attorno al 1780, ed inaugurato nel 1785. Il pubblico potrà quindi per l’occasione visitare anche uno dei tesori artistici della città.

JEAN LEPPIEN
CONCRETAMENTE SPIRITUALE
a cura di di Matteo Galbiati
Valente Arte Contemporanea
via Anton Giulio Barrili, 12 - Finale Ligure (SV)
dal 21/12/2008 al 31/1/2009

Jean Leppien si iscrive al Bauhaus nel 1929 a soli diciannove anni. Qui avrà modo di seguire gli insegnamenti fondamentali di Albers, Klee e Kandinskij che saranno imprescindibili punti di riferimento per lo sviluppo e l'affermazione della sua pittura, che resterà fedelmente e tenacemente impostata e fondata su una rigorosissima astrazione di formulazione geometrico-compositiva. Uno degli aspetti che, di certo, maggiormente colpiscono di lui, quando si passano in rassegna le opere eseguite dalla giovinezza fino all'età adulta, e' proprio questa estrema coerenza, nella pur diversificata progressione e sviluppo della sua ricerca, ad attenersi e mantenersi entro l'alveo di un linguaggio astrattivo che sarà per lui irrevocabile.
Il suo costruttivismo non si e' arginato entro i confini della ragione, non ha stretto e imbavagliato la sua espressione in una rigidità pensata in via esclusiva, e scientificamente calcolata, di forme e colori. Negli anni del suo severo e determinato operare Leppien ha impresso alla sintassi della sua pittura un dire sentimentale.
Tutto si gioca nello spazio ristretto della pittura e dei dipinti che riescono pero' a catturare la forza e la vitalità vivaci di un universo intero nel loro luogo limitato, nella loro finitezza terrena e riconoscibile.
La sua astrazione ha passato le grandi stagioni artistiche e storiche del XX secolo e, sempre rimanendo addentro al suo tempo, e' rimasta fedele agli attimi del suo accadere. Ha conservato uno stile prezioso e identitario senza mai smarrirsi, senza perdere mai il proprio segno, che e' cresciuto, e' mutato e che ha ri-conosciuto il suo senso in ogni spazio pittorico che gli ha concesso il verificarsi.
Dopo un segno disegnato, la linea si vede costretta a cedere al colore stesso che esonda e, tracimando, si appropria di spazi maggiori e si vincola ora a forme che si auto-regolano attraverso le relazioni delle singole cromie [-]. Il colore diviene appieno sostanza e la sostanza e' il colore.
Leppien, fedele al suo fare esclusivo con la pittura, non si lega ad un'asettica e astratta visione, non trascura la ricerca dell'esistere comune, delle cose semplici del mondo che sono, in realtà, la vita. Solo con la pittura permette l'accadere dell'esperienza, della memoria, del vivere coi sensi.
La frontiera che raggiunge la sua astrazione e' quella di ritrovare il vivo dell'esperienza e la sua drammatica affermazione.
Nei brani del colore e delle ultime composizioni di Leppien si ritrova la calma e la forza di un fare e congetturare maturi e profondi. Sembra di sentire ed afferrare, cogliendola in simboli resi minimi, l'eredità di un pensiero che forse spesso ci sfugge.
Questo essere suggestivo Leppien lo racchiude in una severa definizione pittorica, senza eccedenze e senza incongruenze. La sicurezza delle sue composizioni si lega alla loro evocazione piu' intima e con essa si accresce e rafforza.
Con un colore-forma che e' segno di questo senso profondo legato alla memoria che, con la lentezza e il silenzio con i quali sembra presentarsi al nostro pensiero, cerca la sua definitiva ed ultima affermazione possibile.

(Tratto da "Ragione e sentimento. Il lungo viaggio dell'astrazione di Jean Leppien" di Matteo Galbiati - Vanillaedizioni)

MUSEO DEL PRESEPE
Palazzo del Collegio - Pinacoteca Civica
Piazza del Duomo 11 a - Imperia P.M.
Inaugurazione dom. 21 dicembre 2008

SAVONA 900
UN SECOLO DI PITTURA SCULTURA CERAMICA
a cura di Germano Beringheli e Riccardo Zelatore
Fortezza del Priamar
Corso Mazzini - Savona
dal 20 dicembre 2008 al 15 febbraio 2009

LE INCISIONI DI VAN DYCK
ALLA TORRE CIVICA DI ALBENGA
20 dicembre 2008 - fine estate 2009

CUNCERTIN SANREMASCU

E’ in uscita l’atteso CD di canzoni sanremasche recentemente inciso da un gruppo di volenterosi conservatori delle tradizioni musicali autoctone. Il quartetto dei “Nipoti d’Arte” riunito da Freddy Colt con la partecipazione di Franco D’Imporzano ha infatti selezionato dal proprio repertorio 14 brani dialettali, sia popolari che d’autore, dando vita all’album “Cuncertìn Sanremascu”, realizzato dall’etichetta sanremese Mellophonium Multimedia.
Sono trascorsi trent'anni da quando uscì il disco LP “I Sanremaschi i canta” nel 1978 su etichetta Melody, unica incisione fonografica ufficiale, poi ristampata alcuni anni fa dalla odierna etichetta. Il disco di D’Imporzano e dei “Nipoti” comprende classici come “U Berigu”, “Catainìn” e “U tangu du Generale” accanto a divertenti parodìe come “Sèra i öij Rusina” e “Nu passa ciü”, nonché brani cantautorali come “Amigu de l’omu” e “Pé scrive ina cansùn”. Rivivono così le note e i versi vernacolari scritti da autori come Carlo Alberto, Nino Rolleri, Orlando Semiglia, Demo Bruzzone, lo stesso D’Imporzano, e portati al successo da artisti indimenticabili come Bacì u Curnajùn, i Careghéti, Nicoletta Semeria, Mudè u Generale, u Ciocio.
Ad interpretare i brani raccolti nel CD sono, insieme al “vocalist” (più noto ai più come poeta e attore), quattro diretti discendenti di casati musicali sanremaschi: Freddy Colt (mandolino), Adriano Ghirardo (chitarra), Massimo Marossa (pianoforte) e Carletto Ormea (fisarmonica); ad essi si sono aggiunti graditi ospiti come Maria Patis (speaker), Fulvia Scasso (mezzo-soprano), Simone De Franceschi (flauto), Simone Giacon (clarinetto), Silvio Ripamonti (tromba), Vittorio De Franceschi (clarinetto), Silvano Manco (contrabbasso), Paolo La Cola (batteria), Marzio Marossa (percussioni). Il disco è stato inciso e mixato da Andrea Romano presso lo studio RDA. Il raffinato progetto grafico è firmato da Paolo La Cola, art director dell’etichetta.
La presentazione dell’album “Cuncertìn Sanremascu” si terrà Mercoledì 17 dicembre alle ore 21 al Piccolo Teatro della Federazione Operaia Sanremese, nell’ambito della stagione autunnale di “Cultura, Arti & Mestieri” ideata e diretta da Freddy Colt. Alla serata parteciperanno ovviamente Franco D’Imporzano & i Nipoti d’arte, insieme ad alcuni dei numerosi ospiti del disco. Introdurrà e condurrà l’incontro il giornalista Angelo Giacobbe, nelle sue vesti di “label maganer” dell’etichetta sanremese espressione del gruppo editoriale Mellophonium.

VOCE CHE NON FA RUMORE:
RICORDO DI ANGELO BARILE
Sala Rossa del Comune di Savona
lunedì 15 dicembre, h. 16,00

Si svolgerà lunedì 15 dicembre una giornata in ricordo del poeta Angelo Barile. L’iniziativa prenderà il via alle 10, nell’atrio del palazzo comunale di Savona, dove si terrà l’inaugurazione dell’esposizione delle opere del poeta e delle pubblicazioni a lui dedicate.

Alle 16 in Sala Rossa l’assessore alla Cultura, Ferdinando Molteni, introdurrà il convegno “Voce che non fa rumore”, un ricordo del poeta. Interverranno Pier Luigi Ferro, docente del Liceo Chiabrera, Giovanni Farris, presidente dell’associazione culturale “Angelo Barile”, Domenico Astengo, Silvio Riolfo Marengo, Adriano Sansa e Carlo Scrivano, coordinati da Giulio Fiaschini.

La giornata si concluderà con la presentazione del volume di Nicola Peluffo ”Da Angelo a Giovanni”, una raccolta di lettere e cartoline al cugino Giovanni Peluffo. L’evento avrà il patrocinio di Comune e Provincia di Savona, con la collaborazione delle associazioni “Barile” ed “Aiolfi”, dell’Istituto Nazionale di Micropsicoanalisi, del Liceo “Chiabrera” e di Marco Sabatelli Editore, “Resine, quaderni liguri di cultura”, oltre che delle società “A Campanassa”, “Dante Alighieri” e di Storia Patria.

CESI AMORETTI
CERCANDO LA LUCE
Villa Boselli - Arma di Taggia
13 dicembre 2008 - 31 gennaio 2009

Nell’ambito della rassegna culturale “Arte in Villa” sabato 13 dicembre 2008 alle ore 18,00 sarà inaugurata la personale di Cesi Amoretti dal titolo “Cercando la luce”.

Cesi Amoretti è nata a Sanremo il 9 febbraio 1929.
Dopo un periodo di studi a Milano negli anni ‘50 presso l’Accademia di Brera, negli anni ’70 ha condotto una ricerca attenta ai valori di luce, colore, forma. L’amicizia con gli artisti Calderara e Seuphor ha consolidato l’entusiasmo per la scoperta del linguaggio astratto-geometrico in termini minimali, esposto in mostre personali presso la Galleria LP 220 di Calice Ligure (1972), la Galleria Beniamino (1975), il Centro Culturale Il Brandale con testo di Stelio Rescio e la Galleria 3/A di Torino con il testo di Paolo Fossati. Alcune opere di quegli anni sono nella fondazione Calderara di Vaciago e nella collezione Cernuschi Ghiringhelli.
In seguito l’impianto geometrico iniziale si muta in formalizzazioni più “morbide”, sconfinanti sul terreno della poesia e della contemplativa interiore. Le opere della fine degli anni ’70 sono state esposte nel Centro Culturale Il Brandale nel 1978, alla Galleria Weber di Torino nel 1979 con testo di Paolo Fossati, alla Galleria 2000 di Bologna nel 1980, con testo di Pier Giovanni Castagnoli, all’Expoarte di Bari e pubblicate nel Catalogo Bolaffi di Arte Grafica.
Agli inizi degli anni ’80 produce una serie di quadri dove la gestualità della mano è guidata da una solida concettualità, da cui provengono i “Bambooks” che hanno partecipato a mostre importanti di “Libri d’artista” e sono stati acquistati dal Paul Getty Center for Humanities di Santa Monica, dalla Biblioteca dell’Università di Oldenburg, dalla Biblioteca Nazionale di Firenze.
Dalla metà degli anni ‘80 la natura mediterranea dell’artista si esprime una serie di opere ispirate al sole e ai cieli notturni della Provenza. Le opere di questa fase sono state esposte nelle mostre personali alla Galleria La Polena di Genova nel 1991, alla Galleria Loher di Francoforte sul Meno al Museo di St. Paul de Vence e alla Galleria Schubert di Milano nel 1992, con testo di Luciano Caramel, in catalogo Electa e hanno ottenuto il prestigioso premio della Galleria Civica d’Arte Moderna di Gallarate (1985).
L’ultima antologica presso il Museo d’Arte Contemporanea di Villa Croce a Genova nel 1996, ha presentato una sintesi della complessa opera dell’artista. Dopo la morte, avvenuta nel 1997, lo stesso Museo ospita una raccolta delle opere più significative dell’artista.

Le opere esposte nella personale “Cercando la luce” sono dell’ultimo periodo dell’artista e resteranno esposte a Villa Boselli fino al 31 gennaio 2009, tutti i giorni dalle 9,00 alle 12,30 e dalle 15,00 alle 18,30.

MILENA MILANI
Profilo di un'artista italiana
Pinacoteca Civica
Palazzo Gavotti
Piazza Chabrol - Savona
12 dicembre 2008 - 15 febbraio 2009

Si inaugura oggi alle 16 la mostra “Milena Milani profilo di un’artista italiana”, curata da Ferdinando Molteni. L’esposizione vuole essere un viaggio tra arte e letteratura, alla scoperta della “Fondazione museo d’arte contemporanea Milena Milani in memoria di Carlo Cardazzo”.
L’appuntamento vedrà la presenza dell’artista,del sindaco di Savona Federico Berruti, dell’assessore alla Cultura, Ferdinando Molteni, del Presidente della Fondazione “De Mari”e della direttrice della Pinacoteca Civica, Eliana Mattiauda. La mostra sarà visitabile fino al 15 febbraio.
La rassegna racconterà due storie che si intersecano.
La prima riguarda Milena Milani scrittrice e vedrà l’esposizione di tutti i suoi libri più importanti e di alcuni, come “La ragazza di nome Giulio”, saranno proposte numerose edizioni diverse.
Il secondo “racconto” riguarderà, invece, la “Fondazione museo d’arte contemporanea Milena Milani in memoria di Carlo Cardazzo”: la vicenda della donazione alla città di tanti capolavori sarà evocata dalle opere che non hanno trovato posto nelle sale attualmente allestite a Palazzo Gavotti.

PIERRE POGGI
Galerie Depardieu
64, boulevard Risso - Nice
4 décembre 2008 - 9 janvier 2009

De la culture et du jeu dans l'œuvre de Pierre Poggi
Entretien avec Enrico Pedrini

« L'art de jouer au football sans toucher le ballon »

Enrico Pedrini : Johan Huizinga, dans son livre Homo Ludens, se concentre sur le jeu comme système culturel. Cette dualité de culture et de jeu est composée du jeu, qui se présente comme fait objectif perceptible et déterminable et de culture, appellation que notre jugement trouve pour tout autre événement. L'art dans ton œuvre se confronte avec ce monde irréel, de plus en plus présent dans ce système médiatique, où les actions fausses simulent les actions réelles. Quelles sont tes raisons pour cette recherche ?

Pierre Poggi : Ce sont des motifs personnels, au sens pédagogique et psychologique du terme. Mon attitude par rapport au jeu est comparable à une créativité infantile sans préjugé. Dans mon art, je cherche à toujours garder cette "fraicheur". A ce propos, mon intérêt vers le monde du foot-ball pourrait se transposer en une phrase : « je joue au foot-ball en employant simplement les outils de l'art pour entrer en rapport avec notre contemporaneité ».

E. P. : Peux-tu me parler de ton travail "Campo Santo" (cimetière) et d'où cette idée te vient-elle ?

P. P. : Cette œuvre a pour origine un article paru dans le quotidien Corriere Della Sera où, à coté d'une croix noire, on pouvait lire une longue liste de morts à cause du foot-ball de 1963 jusqu'à nos jours. Par association d'images (les cimetières militaires) j'ai eu à ce moment cette vision hallucinée. Campo Santo est une œuvre d'ambiance ; une parodie évocatrice du lieu de repos, qui se compose de 22 croix blanches. Un arbitre à la fois maître de cérémonie et chamane, impeccablement vêtu, réinterprète musicalement les chants des supporters ultras massés dans une hypothétique tribune. Une sorte de litanie, une litanie clownesque. On pourrait se demander ce que font ces croix sur un terrain de foot-ball. Les journaux on le sait, ont la mémoire courte si l'on considère que ce sont surtout les supporters qui sont morts "sur le champ" pour un ballon de cuir. Motif suffisant pour commémorer ces victimes, par cette installation à la fois surréelle et absurde.

E. P. : Le jeu et l'art vont occuper de plus en plus, dans l'inconscient collectif, la fonction d'augmenter la "société de l'image" dans son besoin de consommation. L'art doit, par conséquent, envisager ce dualisme et rechercher par ses langages cette disposition où la valeur de la vérité est remplacée par la communication.

P. P. : Oui, l'art a le devoir d'envisager ce problème si, à travers son pouvoir de communication, il soulève des questions et dit peut-être quelque vérité, même si l'art risque de nos jours la boulimie.

E. P. : La recherche de l'art met en évidence les valeurs symboliques qui sédimentent profondément la société, qui a fait de l'économie son seul "credo" possible. Quelle est ta pensée à cet égard ?

P. P. : De nos jours, plus que jamais, l'art est une partie de ce mécanisme économique, il ne faut pas être hypocrite. Il suffit de lire la côte de certains artistes contemporains pour réaliser le statu quo de l'offre et de la demande.

LE ALBE A DIOL KADD
Campus Universitario di Savona-Legino
Aula AN4
giovedì 11 dicembre 2008

Giovedì 11 dicembre, nell’ambito delle attività organizzate dall’insegnamento di semiotica di Scienze della Comunicazione, si terrà un seminario laboratorio su “Le Albe a Diol Kadd: il teatro e le tecniche del corpo dai Griot ai progetti di sviluppo”.
Sarà presente Mandiaye N’ Diaye, attore, regista e autore del Teatro delle Albe di Ravenna, organizzatore del progetto di sviluppo Diol Kadd (Senegal). L’appuntamento sarà in aula AN4, dalle 9 alle 12, e presso la biblioteca del campus dalle 13 alle 16,45. L’accesso e la partecipazione all’iniziativa saranno liberi.

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Nel 1983 Marco Martinelli, Ermanna Montanari, Luigi Dadina e Marcella Nonni fondano il Teatro delle Albe. La compagnia sviluppa il proprio percorso intrecciando alla ricerca del “nuovo” la lezione della Tradizione teatrale: il drammaturgo e regista Martinelli scrive i testi ispirandosi agli antichi e al tempo presente, pensando le storie per gli attori, i quali diventano così veri e propri co-autori degli spettacoli. Nel 1988 la compagnia acquisisce al suo interno dei griots senegalesi: Mandiaye N’Diaye (da allora "colonna" africana della compagnia), Mor Awa Niang e El Hadji Niang. La formazione diventa afro-romagnola, e pratica un originale meticciato teatrale che coniuga drammaturgia e danza, musica e dialetti, invenzione e radici. Gli spettacoli, da Ruh. Romagna piu’africa uguale (1988) a All’inferno! (1996), da I Polacchi (1998) al Sogno di una notte di mezza estate (2002), da Salmagundi (2004) a La mano (2005), valgono alle Albe premi e riconoscimenti, nazionali e internazionali, evidenziando una poetica rigorosa, raffinata e emozionante, capace di restituire alla scena la sua antica e potente funzione narrativa.

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Franco: Qual è il tuo progetto?

Mandiaye: C'è il sogno delle due case bianche, e io cerco di realizzarlo. Da lì sono partito quando ho scritto il progetto: "Ho aspettato tanto tempo dì sognare la casa del teatro, e l'ho sognata a Guediawaye. Nel sogno c'era un campo di battaglia e infatti Guediawaye, che è un enorme quartiere-città di quasi un milione di abitanti, alla periferia di Dakar, un tempo era stato un campo di addestramento. Da piccolo, quando ci eravamo trasferiti ri dal villaggio, mi ricordo che giocavo sempre a tirare fuori dalla terra vecchie bombe a mano.
Da quello che era l'accampamento, è stato tagliato un pezzo di pineta per far passare la Parigi-Dakar.
Nel mio sogno c'era un campo di battaglia con una foresta. C'era anche un vecchio che girava dentro questo bosco e ogni tanto appariva dall'alto, da sopra la pineta, e raccontava una storia. Ad un certo punto ritorna dentro il bosco e tutti eravamo da una parte a guardarlo, come fosse Gesù che appare dalla montagna, o come un santo che appare e racconta, ma ritorna dentro. Allora mi sono detto che dove c'era la pineta ci volevo fare un teatro.
E questo Centro dove abbiamo cominciato a lavorare é costruito proprio dove stava la pineta.
Insegnare qualcosa alla tristezza occidentale

Franco: Come dovrebbe funzionare questa Casa del Teatro ?

Mandiaye: Mi piacerebbe che si facesse teatro in Senegal. Mi piacerebbe che uno come Marco potesse insegnare a tante persone che sono là a lavorare nell'arte. Ci sono persone, in Europa, che pensano soltanto all'Affica della guerra, invece se arrivano li possono vedere gente che vìve e che lavora... Mi pìacerebbe anche portare delle classi di studenti italiani e farli dormire nella nostra Casetta del Teatro, farli incontrare e convivere con studentì delle scuole senegalesi. Mi piacerebbe anche portare artisti africani qui.
Sono convinto che abbiamo molte cose da imparare gli uni dagli altri. Quando dico portare li la platea, parlo del saper ascoltare che si potrebbe portare nel caos artistìco che c'é là. Perchè li c'è un mare di arte, che avrebbe bisogno di reti capaci di scegliere i pesci che ci vivono. C'é grande musica, moviniento, e una straordinaria capacità di divertimento. Penso che questo potrebbe insegnare molto alla tristezza occidentale.

Franco: Da cosa viene, per te, questa tristezza occidentale di cui parli?

Mandiaye: Vedi, in Senegal, nonostante ci sia una enorme mancanza di possibilità materiali, ci siano tanti conflitti tra gruppi ed etnie diverse, quando si sta pigiati dentro a un autobus, anche se in lingue diverse tutti parlano, tutti ridono e ci sì capisce. Qui in Italia è diverso. Tu esci di casa e la piazza non è una piazza. t solo un posto pieno di macchine e di banche dove la gente entra e esce di corsa. In Senegal, quando tu esci di casa, trovi il cortile dove ci sono animali, galline; e puoi trovare tutto. Non puoi mai startene chiuso, perché c'é sempre qualcosa che ti apre...

Franco: Qui sembra ìnvece che ci sia sempre qualcosa che ti chiude.

Mandiaye: Si, è molto diverso. Quando sono arrivato nel Centro di Guediawaye, e ho visto chì ballava di qua, chi cantava di là, mi sono detto: questa é la Casa del Teatro! ètutto questo che mi riporta in Senegal, nonostante le enormi difficoltà che ci sono. Da noi c'è una situazione politica e sociale disastrosa. C'é bisogno di cambiare, come nel nostro calcio...

Quando in Africa c'è un calciatore bravo, va in Europa a giocare e, una volta in Europa, non vuole più rientrare. Anche con molti artisti succede uguale. In Europa si organizzano festival, si portano gruppi africani di balletto, di musica, di canto, poi tutto finisce li e basta... A me piacerebbe fare nascere una struttura capace di portare in Africa altri teatri, altre idee. Capace di realizzare un metissage. Gente che va e che viene, che crea. Non soltanto gente che viene da là e crea qui. Altrimenti non c'é ritorno, non c'è rimbalzo, e ci ritroviamo bloccati come davanti a un muro. Noi dobbiamo cominciare a seminare in Africa. lo, nel mio piccolo, voglio partire da questo progetto, dalla costruzione della Casa del Teatro a Guediawaye.

Franco: Mi sembra un progetto importante.

Mandiaye: E difficile, sarà difficile. Molto molto molto molto difficile.

Franco: Ma se il sogno é stato fatto...

(da Saltatori di muri di Franco Lorenzoni e Marco Martinelli - Macro Edizioni, Cesena, 1998)

ATSUSHI SHIMADA
a cura di Germano Beringheli
Galleria Osemont
Via Colombo 13-15 - Albissola Marina
6 dicembre 2008 - 25 gennaio 2009

Il seme, la natura: sono gli elementi per cui Atsushi Shimada infonde il fremito della vita nella terra inerte. Per lui la maiolica è, come già è stato felicemente detto, il mezzo per esprimere leggerezza, energia ed equilibrio. Guardando le sue ceramiche, formalmente semplici eppure assolute, culturalmente esplicite tanto di senso arcaico come di contemporanea modernità, si può aggiungere, alle tante definizioni già espresse, che il fuoco che le realizza non è soltanto quello dei forni. Di fatto le investe uno spirito soggettivo e le coglie, per le palesi facoltà sensoriali del loro autore, una sorta di incendio interiore e metafisico che genera, insieme, sentimento, bellezza e grazia.
In fondo Shimada, da buon proselite della cultura nativa e da attento osservatore dell’espressiva attualità globalizzata, ci fa i n t r a v e d e r e , n e l l a p l a s t i c i t à q u a s i impercettibile dei suoi oggetti, il graduale possesso dell’ incrocio fra l’estetica orientale e quella occidentale.
Accanto alla spiccata tendenza per le strutture semplici di marca giapponese è evidente, nelle sue forme ispirate alla natura, l’influenza della c i v i l t à e u r o p e a e ame r i c a n a : s o n o contemporanei, invero, la colorazione rossa, come lavorazione della lacca, il gocciolamento del colore quale succo della spremitura dei suoi frutti, e la riduzione “minimalista”, individuata come recupero della condizione naturale originaria.
Il problema centrale del lavoro di Shimada, pertanto, è nella coesistente polarità concettuale di essenza e di struttura e poi, nella creatività artistica del bello ineffabile, classico, che rifà il vero, spogliandolo degli elementi spuri delle sua consistenza, e dove l’incanto dell’immagine si sposa a una sorta di accoglimento sensibile del materiale che l’ha prodotta.
L’approdo percepito, quindi, è quello specifico del sublime avvalorato dalla sua definizione lessicale, cioè di “ concetto che identifica la perfezione dell’opera d’arte con il vigore della passione e dello stile”.

Germano Beringheli

PIETRA SU PIETRA
lavori in ardesia sul lungomare di Ventimiglia

E' stata inaugurata ieri, domenica 7 dicembre, l'esposizione di scultura in ardesia “Pietra su pietra”.
Si tratta di opere in 'Oro nero' della valle Argentina, scolpite da artisti emergenti durante gli 'stage' di lavorazione dell’ardesia che l’associazione Nuovi Orizzonti di Ventimiglia, presieduta da Gigliola Coppo, ha ideato e curato per oltre un decennio.
Gli autori dei lavori in mostra sono: Marco Murtas, Gianni Busso, Valeria Arpino, Francesco Cagnina, Antonio Lupi.
Le opere sono state collocate lungo il tratto iniziale della passeggiata intemelia, nell'intento di fornire un complemento culturale che l'avvicini alle 'promenades' delle limitrofe località rivierasche.

LE CHEMIN DE PEINTURE
Gérard GASIOROWSKI, Denis CASTELLAS, Valérie FAVRE, Stéphane PENCREAC’H, Alun WILLIAMS
MAMAC - Musée d'Art Moderne et d'Art Contemporain
Promenade des Arts - Nice
06 décembre 2008 - 31 mai 2009

La programmation du MAMAC mise en place depuis son ouverture a fait une large place à l’illustration de l’art d’assemblage tel qu’il apparaît à la fois dans l’art européen et français (Nouveau Réalisme) et l’art américain du début des années 60 (Pop Art).
Nous avons l’occasion aujourd’hui, à partir de collections privées ou publiques régionales et nationales de très haute qualité ou de la collection des artistes eux-mêmes, d’aborder plus explicitement l’actualité de ce médium en présentant cinq artistes internationalement reconnus qui ont su trouver des réponses innovantes à la question récurrente : existe-t-il une peinture contemporaine ?
Parmi ces artistes, certains ont été invités à réaliser des oeuvres inédites à cette occasion.
Quant au choix des œuvres exposées, il s’agit d’une mise en dialogue de démarches d’artistes qui se rejoignent dans une interrogation constante sur l’essence de la figure et sur le différentiel existant entre abstraction et figuration. A partir de quel moment passe-t-on de l’une à l’autre ? Brouiller les lignes, effacer les volumes, superposer les images, laisser deviner la présence antérieure d’une forme, disjoindre le contexte du sujet élu, inventer non pas une histoire, mais un potentiel à en imaginer une, différente de celle proposée, sont les voies suivies en toute liberté sur ce « chemin de peinture ».

Gérard Gasiorowski est une figure emblématique de cette exposition parce qu’il a entraîné derrière lui une génération d’artistes dont certains se retrouvent dans le projet présenté. Quelques-uns, pour lesquels on relève une réelle parenté artistique, avaient déjà exposé ensemble. Denis Castellas, Valérie Favre, Stéphane Pencréac’h, Alun Williams ont répondu à l’invitation de créer des œuvres nouvelles, ajoutant la gageure du défi à l’émulation.
Ces peintres caractérisés par une grande culture ont en commun d’user de références en histoire de l’art et de citations à peine estompées. Effacements, repeints, disparition, chaque œuvre trouve sa source dans le passé ou le présent de l’histoire de l’art pour une relecture contemporaine.
Tous issus d’une génération où la peinture se déstructure, où la réflexion prend le pas sur l’acte, où l’objet se substitue à la matière, chacun d’entre eux a comme parenté de se revendiquer de la peinture et plus encore de la peinture figurative et de l’interrogation même de l’acte de peindre. Le doute et la problématique de l’achèvement de l’œuvre sont autant de questionnements qui se posent à nos cinq artistes.

PIER PAOLO QUAGLIA
I WAS HERE
M'Arte
Via San Giuseppe 22 - Arma di Taggia
dal 6 dicembre 2008 al 31 gennaio 2009

La storia di questi lavori affonda solide radici nella creatività grafica che agitava la Firenze degli anni Ottanta. Sulle grandi tele sono riportati con una minuzia certosina immagini, dettagli, pattern, scritte di cui Pier Paolo Quaglia si appropria per farne strumento di lavoro. Al pari di pennelli, spatole e colori, queste figure sottratte al mondo della comunicazione vengono utilizzate per creare una cosa nuova, completamente diversa dall’originale.
Lo sguardo di Pier Paolo Quaglia, sollecitato dai messaggi frenetici che popolano da tempo le nostre visioni pubbliche e private, riesce a bloccare fotogrammi diversi, congelarli e accostarli in maniera inedita. E filtrarli, rielaborarli, renderli assolutamente altro. Fedele al sempre valido principio di Marshall McLuhan per cui il mezzo è il messaggio, i suoi quadri sono carichi di un significato radicale, molteplice e, al tempo stesso, universale. Niente a che vedere con concettualismi astrusi. In questo caso, semplicemente, il re è nudo. Con una buona dose di amoralità, visto che con i suoi lavori Pier Paolo Quaglia non pretende di dare lezioni a nessuno, la società viene svelata per quello che è. Messa di fronte ai suoi drammi, alle sue contraddizioni, alla dolorosa e fragile umanità che si legge fra le righe di queste tele. Da accostare insieme, volendo, in un gioco che invita a pensieri complessi e civetta con l’idea della riproducibilità dell’opera. In realtà niente è più lontano del concetto di automatismo dalla pratica manuale, dalla sapienza artigiana che sta dietro alla concreta fattura di questi lavori.
Tra le luci e i riflessi colorati che ricordano quelli della pubblicità e una certa estetica pop, risulta chiaro come la merce abbia un’anima. E come la nostra essenza di uomini e donne del nostro tempo tenda a mimetizzarsi e anestetizzarsi nelle giostre vorticose della comunicazione. Pier Paolo Quaglia, che a lungo ha frequentato ambienti capaci di frivolezze e di assoluta dedizione alla materia come quelli della moda, conosce bene le sfaccettature che si annidano in questo messaggio. Semplicemente, generosamente, le mette in luce. Porta in superficie pensieri che sono di tutti. Universali. In fondo, a pensarci bene, la sua ansia esistenziale, il suo sguardo intenerito dalle pochezze umane, la malinconia e il suo alto senso etico non appartengono solo al qui e ora del suo essere un artista europeo della prima decade del secondo millennio. Ma appartengono all’umanità tutta, di ogni epoca e luogo.
Il lavoro di Pier Paolo Quaglia è una disamina della società in chiave politica, nel senso più nobile del termine, e una lunga analisi dell’individuo. Con l’aggiunta – non irrilevante – di uno sguardo buono, che non giudica ma osserva con interesse profondo il mondo che, ancora e sempre, continua a vorticare.

Annalisa Rosso

GIUSEPPE BIANCHERI RICORDATO ALLA CAMERA
NEL CENTENARIO DELLA SCOMPARSA

Giuseppe Biancheri e l'eredità del Risorgimento nella ricorrenza del centenario della scomparsa (Palazzo Montecitorio, Sala della Lupa, 5 dicembre 2008, ore 16).
L'apertura dei lavori sarà del Presidente della Camera dei deputati on. Gianfranco Fini. Quindi il saluto dell'ambasciatore Boris Biancheri, Presidente della Fondazione Biancheri
Gli interventi verteranno su: 'Giuseppe Biancheri tra Risorgimento e Stato unitario' del prof. Carlo Ghisalberti, Università degli Studi di Roma 'La Sapienza'; 'Giuseppe Biancheri ed i protagonisti del suo tempo' del prof. Pier Luigi Ballini, Università degli Studi di Firenze; 'Giuseppe Biancheri, Presidente della Camera statutaria' del prof. Giorgio Rebuffa, Università degli Studi di Genova; 'Giuseppe Biancheri e l'impegno politico in Liguria' del sen. Gabriele Boscetto.

Université de Nice - Sophia Antipolis

COLLOQUE INTERNATIONAL
« DE L’AVANT-GARDE, DES AVANT-GARDES :
FRONTIÈRES, MOUVEMENTS »

les 3, 4, 5 et 6 décembre 2008

Ce colloque se propose de faire le point sur les tentatives de définition de l’avant-garde. Son ambition est de couvrir tous les champs de la création et de susciter une réflexion pluridisciplinaire intégrant des approches aussi diverses que celles des spécialistes d’esthétique, des historiens ou des praticiens de l’art. Il engagera une réflexion sur la continuité historique du phénomène avant-gardiste qui caractérise le XXème siècle, sur la fortune et la réception des différentes avant-gardes et sur leur signification politique et anthropologique au travers de problématiques croisées comme l’analyse des pratiques et des esthétiques.

PROGRAMME

Programme du colloque

Mercredi 3 décembre, matinée
Théâtre Valrose, Présidence de l’Université de Nice-Sophia Antipolis
Présidence de l’Université Nice – Sophia Antipolis
Grand Château, 28 Avenue Valrose, 06103 Nice

9h : ACCUEIL DES PARTICIPANTS
10h00 : Ouverture du colloque
Session 1 : Frontières et limites 1, modérateur Gérard-Georges Lemaire
10h40 : Jean Robelin : La mort des avant-gardes
11h00 : Patrick Marcolini : Quelques considérations critiques sur les avant-gardes et le progrès
11h20 : Paolo de Castro : La musique, un art d’arrière-garde ?
11H40 : DISCUSSION
12H : BUFFET

Mercredi 3 décembre, après-midi
Musée Chagall
Avenue Docteur Ménard, 06000 Nice

14h00 : Accueil de M. Fréchuret
Session 2 : Mouvements
14h20 : Gérard-Georges Lemaire : Le futurisme : le berceau d’une avant-garde
15h00 : Gianmario Borio : Musical Avant-Garde around 1968: Decline or New Impetus?
15H40 : DISCUSSION ET PAUSE

Session 3 : Perspectives, modérateur Esteban Buch
16h20: Antoine Chareyre : Lettrisme et avant-gardes historiques : continuité, reprise et rupture dans l’histoire de l’expérimentation musico-poétique
16h40: Marie Martin : La poétique du rêve : un modèle pour repenser les avant-gardes cinématographiques françaises des années 1920 ?
17h00: Bruna Lo Biundo : Recréer la réalité. Germaine Dulac, Irène Hillel Erlanger et le regard de l’autre
17h20: Lubomir Hosejko : Du dispositif des caméras d’amateur dans l’avant-garde cinématographique française des années vingt
17H40 : DISCUSSION

Mercredi 3 décembre, soirée
Cinémathèque de Nice

20h30 : Projection inédite des œuvres d’Eugène Deslaw, présentées par Lubomir Hosejko

Jeudi 4 décembre, matinée
Musée Chagall

Session 4 : Frontières et limites 2, modérateur Gianmario Borio
9h00 : Esteban Buch : La question des noms
9H40 : DISCUSSION

10h00 : Anne-Marie François : « Avant-gardisme de vieillard » vs. « Avant-gardisme excentrique » ou comment concilier l’inconciliable
10h20 : Robert Piencikowski : Le franc-tireur et les moutons, ou l’avant-garde selon Boulez
10H40 : DISCUSSION ET PAUSE

11h20 : Franca Bruera : Ce qui est M/manifeste n’est pas évident : l’écriture manifestaire entre praxis et théorisation
11h40 : Tania Collani : La jeunesse ou le sixième paradoxe de l’avant-garde
12H00 : DISCUSSION


Jeudi 4 décembre, après-midi
Musée Chagall

Session 5 : Pratiques 1, modérateur Franca Bruera
14h00: Angela Ida de Benedictis : Sperimentazione radiofonica futurista : l’attuale inattualità di un’avanguardia
14h20: Antonio Saccone : “Simultaneità” e “onnipresenza”: il futurismo e il cinema
14h40: Barbara Meazzi : Mario Carli et l’écriture romanesque futuriste
15H00: DISCUSSION ET PAUSE

Session 6 : Histoire des réceptions, modérateur Jean-Louis Leleu
15h40 : Teresa Cascudo : Les critiques et la « musique nouvelle » : La première réception de Stravinsky en Espagne et les enjeux de pouvoir dans le champ musical
16h00: Laurent Gayard : La NRF, de l’avant-garde à la confrontation avec les avant-gardes : un exemple du renouvellement générationnel en littérature
16H20 : DISCUSSION

16h40: Eric de Chassey : Avant-gardes américaines et européennes dans l'immédiat après-seconde-guerre-mondiale, repartir à zéro ou continuer la rupture?
17h00: Pascal Decroupet, Anne-Sylvie Barthel-Calvet : Implantation, rivalités et prise de pouvoir des avant-gardes musicales dans l’Allemagne fédérale de l’immédiat après-guerre

Vendredi 5 décembre, matinée
Musée Chagall

Session 7 : Esthétique : modérateur Jeffrey Schnapp
9h00 : Olivier Salazar-Ferrer : Ontologie du désastre : réflexions sur la crise du langage et les arts visuels
09h40 : Carole Talon-Hugon : Avant-gardité et avant-gardisme. A propos d’une distinction de Clément Greenberg
10H00 : DISCUSSION ET PAUSE

11h00 : Pauline Chevalier : Spécificités des mécanismes d’implantation et de diffusion des avant-gardes : le cas de Downtown New York, 1963-1976
11h20 : Natalia Smolianskaïa : Pratiques et esthétiques d’avant-garde russe : cadres, systèmes de coordonnées et projections
11h40 : Anna Cécilia Hornedo Marin: L’« énergie synthétique » : le muralisme comme avant-garde d’un nouvel ordre politique et esthétique
12H00 : DISCUSSION

Vendredi 5 décembre, après-midi
Musée Chagall

Session 8 : Pratiques 2, modérateur Marc Marti
14h00: Éléonore Antzemberger : Le Grand Jeu ou la contre avant-garde
14h20: Julien Kohlmann : Expressionnisme/Anarchitecture : mouvement et structure de l’expressivité d’avant-garde
14h40: Anouck Cape : Le cas des écrits de fous dans la culture surréaliste ou l’irrémédiable écart de la théorie à la pratique
15H00 : DISCUSSION ET PAUSE

Session 9 : Pratiques 3, modérateur Olivier Salazar-Ferrer
15h40: Matteo D’Ambrosio : Du paroliberisme futuriste à la poésie concrète: modèles textuels comparés
16h00: Simona Cigliana : S'entraîner à table. La dégustation : apprentissage de la sensibilité futuriste
16h20: Jeffrey Schnapp : Speed limits : mémoire historique et avant-gardes
16h40: Clémentine Hougue : Fluxus et Poésie Directe : la notion de “groupe artistique” aux Etats-Unis et en Europe
17H00 : DISCUSSION

Samedi 6 décembre, matinée
Musée Chagall

Session 10 : Histoire des réceptions 2, modérateur Carole Talon-Hugon
9h00 : Maurice Fréchuret : (à déterminer)
9h40: Séverine Gossart : A chacun son Marcel. Duchamp, Néo-Dadas et Nouveaux Réalistes (1942-1965)
10h00 : Fanny Drugeon : La croyance en une nouvelle avant-garde dans la France d’après 1945
10H20 : DISCUSSION ET PAUSE

11h00 : Alberto Caprioli : L’avant-garde en exil : anti-académismes, métissage et abattement des frontières entre les arts en un demi-siècle de musique italienne
11h20 : David Marron : De La Cucina Futurista de F. T. Marinetti et Fillìa au Pranzo Oltranzista de Mike Patton : variations musicales et bruitistes sur un livre de cuisine des plus détonants
11h40 : Geneviève Cloutier : La récupération de l’avant-garde dans la culture russe contemporaine
12H00 : DISCUSSION

Samedi 6 décembre, après-midi
Musée Chagall

Session 11 : Transversales, modérateur Jean-Yves Boursier
14h40: Sylvain Lazarus : Invention, modernité et avant-garde
15h00: Konstantinos Vassiliou : Le rapport de l’avant-garde à l’homme dans l’art technologique
15h20: Christine Esclapez : L’Introduction à Jean-Sébastien Bach de Boris de Schloezer (1881-1969) : entre symbolisme, formaliste et pensée morphologique
15H40 : DISCUSSION ET PAUSE

Session 12 : Réception des pratiques, modérateur (à déterminer)
16h20: Jean-Pierre Triffaux : L’invention du théâtre, entre texte et performance
16h40: Cathy Margaillan : L’héritage futuriste et la notion d’œuvre d’art de 1944 à nos jours : frontières incertaines entre langage verbal et arts visuels
17h00: Stefano Lissia : Les parcours esthétiques de Pinot Gallizio dans l'avant-garde : du Mouvement International pour un Bauhaus Imaginiste à l'Internationale Situationniste (1954-1960)
17H20 : DISCUSSION ET CLÔTURE DU COLLOQUE

MIKE NELSON
LE CANNIBALE
(Parody, Consumption and Institutional Critique)
Villa Arson
20, av. Stephen Liégeard - Nice
31 oct. 2008 - 01 févr. 2009

Mike Nelson, artiste anglais né en 1967, crée des installations complexes effectuées avec une variété d’objets et de matériaux qui combinent des références issues de la littérature, du cinéma, de l’architecture et des échanges sociaux et culturels. En entrant dans ses constructions, le visiteur est immergé dans un monde entre réel et fantasme, pris au piège d’un terrain permettant toutes sortes de libres associations. Ces scénarios se manifestent de nombreuses façons, souvent sous l’apparence de séquences de chambres interconnectées et de couloirs. L’oeuvre est plus allusive que révélatrice et entretient délibérément une grande qualité énigmatique.
Dans ses installations, Mike Nelson invite d’ailleurs à adopter l’attitude d’un explorateur, ou du moins celle d’un lecteur, puisque la succession des différents composants comme la diversification des points de vue apparaissent comme autant d’agencements de signes dans un système fictionnel. Ses dispositifs invitent aussi le spectateur à s’intéresser à l’envers du décor. Ensemble, ces éléments révèlent le rapport qu’entretient Mike Nelson avec la parodie. L’idée de pastiche permet de saisir la manière avec laquelle il met en scène son travail et joue des clichés et des genres. Il dit parfois de ses constructions qu’elles sont une tentative d’aller à l’épuisement de son propre style dans le sens formulé par Borges, dans l’introduction de l’Histoire Universelle de l’infamie, lorsqu’il décrit le style baroque comme un style qui épuise délibérément toutes ses posssibilités et de ce fait se situe à la limite de sa propre parodie.
Par ses choix d’objets et d’éléments architecturaux, Mike Nelson cultive une esthétique du rebus et du débris. L’aspect dégradé donne à ses objets une qualité de vestiges qui sont autant des supports d’histoires passées que des éléments pouvant se répéter dans le fantasme. Le débris ou la ruine contiennent les notions de temps, de transformation et de dégradation. Ces idées récurrentes dans le travail de l’artiste font précisément écho au concept d’entropie développé par Robert Smithson. On trouvera parfois une autre référence au travail de celui-ci, sous forme de clin d’oeil, dans le recours à l’artifice du miroir comme moyen de créer une illusion et comme symbole de projection mentale.
Suite à un court séjour à la Villa Arson, Mike Nelson a été invité à construire un projet dans la galerie carrée. Ce projet va certainement connaître une extension hors des espaces du centre d’art. Une résidence lui permettra de concevoir son projet ambitieux.